Pesada peça branca, bloco de gesso moldado à forma de um imenso dedo. Impossível içá-la. Para arrastá-la, tamanha força o corpo enverga que o esforço transparece no rosto, no torso, nos braços, na planta descalça dos pés.

O artista[i] se impõe o sacrifício como uma forma de expurgo, depuração. O corpo não subleva, é posto a serviço de algo maior. A medida em que ocorre o deslocamento, a matéria no asfalto se desgasta e deixa a marca de uma linha ambiguamente rígida e oscilante. O traço se vai criando certo, ângulo reto, atravessando a via, vencendo a aspereza da superfície. Repete-se o ato à exaustão.

O desenho surge. Corpo em risco, mas atento, em meio ao fluxo. Não vemos o que está pré-determinado, o motivo que lança o artista na busca do traçado, com ímpeto obsessivo. Desvelá-las, as linhas, é preciso.

Desde cedo, poderosos vetores imaginários tomam de assalto o seu campo de visão, atrapalham o passo, alteram-lhe o ritmo. O fardo auto-imposto remete à intensidade da interferência com a qual convive. Como em um rito, invoca a cura a cada novo traço empreendido pelo corpo extenuado.

Contudo, ainda que porventura pudéssemos atribuir à arte um potencial curativo por meio da catarse, a ação não se resume a isto.

Para além das motivações individuais do artista, seu ato recobra e amplifica o desejo humano básico, universal, por expressar-se. Em meio ao anonimato da urbe, o sujeito insiste em deixar a marca de sua passagem, sua singularidade. O risco, índice desta presença, permaneceu por alguns dias visível após a ação, e deu corpo a um desenho de grandes dimensões só passível de ser percebido como um todo do alto.

Revertendo a obsessão em afrontado a normalidade do fluxo cotidiano da cidade, mesmo efêmera, a ação do artista gerou interferência e impregna na memória de quem a presenciou.

1. De quando proposições artísticas nos põem diante de dilemas éticos.

O que pensar quando à frente de um barraco de invasão, deslocado para ser exposto em uma sala de museu, aspirar ao úmido olor da matéria de que era feito e sentir o cheiro avesso de gente entranhado nas tábuas, nos móveis, vindo do interior?

Ante o impacto da presença aos poucos tentei ordenar os pensamentos a fim de deslindar o meu embaraço. A princípio a repulsa. Indignou-me a feiúra da miséria. Mas logo pensei se aquela sensação de choque, ativada na proximidade física a algo normalmente distante, seria algo parecido com um êxtase estético e me culpei pela anuência à estetização do barraco. Em seguida indaguei se o barraco deslocado era arte.  A questão repetida e dita irrelevante por uns, teria de ser considerada aqui, pois, sabendo que a motivação de Marcio Almeida não era a de reverenciar Duchamp, que necessidade havia em exibir o barraco? Porque, se uma família habitara ali de fato era ético expô-la dessa maneira?

O barraco não precisava estar, mas estava e podíamos senti-lo, mais que entendê-lo. Instigava-me. Serve para isso a arte também. Culpo-me por pensar nele como a feia cara da cidade. O barraco transportado para o museu indicia os deslocamentos na urbe. Deslocamentos forçados de famílias, seja por políticas públicas, seja por especulação imobiliária. Fez-me pensar também na porosidade entre arte e sociedade que a proposta do artista traz. Logo percebo que seria um erro ingênuo pensar que o dado social no trabalho de Márcio estaria no fato dele ter transferido todo o dinheiro da bolsa para a compra de uma moradia mais adequada à dignidade de uma família. Ato louvável, contudo, tendo a pensar que a força do seu ato artístico está no que tem de político.

A meu ver, “O novo ou o nada” toca em questões de visibilidade e inserção, contra a desqualificação de pessoas moradoras de áreas de invasão. Condenamos à invisibilidade aqueles que moram em barracos como se a insalubridade das moradias precárias fosse o reflexo do caráter de quem nelas habita. “O novo ou o nada” traz à cena pública aqueles que não ascendem à categoria de vizinhos, mesmo quando estão morando bem à nossa frente.

Um vídeo acompanhava a instalação e nele está registrado o processo de negociação para a troca do barraco por uma casa escolhida pelo artista. Permanecem os questionamentos. O artista faltou com a ética ao tirar proveito de uma situação de poder para negociar uma troca com aquela família? Em outras palavras, ele se beneficiou da vulnerabilidade daquela família?

Fosse outro artista talvez, mas Márcio Almeida tem um longo trabalho de investigação em torno dos deslocamentos. Também se importa com afetos, apegos, aos lugares e seus nomes.  Ao mostrar que mesmo nessas famílias vulneráveis há apego às coisas e ao lugar de moradia, Márcio desencavou uma série de significados acerca das questões citadinas. Ao nos franquear a negociação dessa troca cobra-nos uma reposta diferente da mera desconsideração do problema das populações que habitam esses enclaves de pobreza.

A seguir algumas palavras de Marcio Almeida sobre estas e outras questões de “O novo ou o nada”:

Tatuí: Como se deu a negociação para a troca?

Márcio Almeida: Eu dizia o tempo todo nas negociações que eu não estava sendo um cara bonzinho. Eu dizia que estava trocando um trabalho por outro. Não chegava falando “ah, você ganhou o caminhão do Faustão”, sabe? Busquei alertar de que a troca envolvia perdas, e que estas talvez fossem mais violentas do que meramente perder um guarda roupa, um fogão, perder qualquer coisa dessas.

Tatuí: Quanto tempo demorou a negociação?

MA: Eu recebi vários nãos, e teve casos de pessoas que não me receberam. Eu fiz uma matéria no jornal antes, pra poder ir com um jornal na mão dizer que realmente eu era um artista plástico que tinha esse projeto, meio que para me documentar. Inclusive no vídeo tem um cara que só aparece em fotografia, de costas, pois ele não permitiu que eu filmasse. Ele ficava de costas o tempo todo, mal falou comigo.

Tatuí: Qual a importância dessa negociação para o trabalho?

MA: Esse trabalho tem uma abertura de reflexões que eu mesmo não tenho controle a respeito. O que eu já conversei e falei a respeito desse trabalho, vejo que cada vez que converso novas reflexões surgem. E uma coisa muito bacana é que, por exemplo, somente aos poucos eu fui me dando conta de que a importância desse trabalho para mim era a ação e que eu não tinha o mínimo interesse em montar esse barraco em outro lugar depois.

Tatuí:Você se deu conta depois que o importante era a negociação?

MA:A negociação e a ação, assim, por exemplo, o trabalho era essa mudança da família. Na verdade se me chamassem para expor esse barraco hoje, eu não estaria afim. Faria muito mais sentido pegar a grana do transporte e fazer outra ação. Eu acho muito mais interessante porque é uma coisa que é do momento, que é a ação, que é performance. É como antes com o GPS quando eu rodava pela cidade, sozinho, sem que ninguém soubesse, criava umas rotas, e isso era o trabalho…

Tatuí: E você não registrava?

MA: Eu acho que meu trabalho não precisa de registro… ele é a ação.

Tatuí: Quais seriam as implicações éticas de “O novo e o nada”, como foi que ele repercutiu?

MA:Esse trabalho mexe em coisas, por exemplo, do poder do artista de ter a moeda para negociar, então isso te coloca numa situação de poder. Eu tinha a casa que era melhor da que o cara morava, e de certa forma isso me colocava numa situação de poder. E eu o tempo todo queria mostrar que a relação não era essa, que a relação era a de troca de trabalho, grosso modo, era como se eu estivesse trocando uma casa em troca de uma escultura para o meu trabalho. Eu explicava para eles que não estavam me dando um barraco, uma situação de miséria dele.

Tatuí:Você explicitava para a família de que o barraco seria valorizado de outra maneira, como um objeto artístico?

MA: Fiz com que eles participassem de todas as etapas inclusive na mostra a família estava lá. Eu queria que eles fossem para entender o que estava pretendendo.

2. De quando pequenos e grandes delitos têm que ser alçados à categoria de artísticos para salvar a pele de seus proponentes. E do tipo de delinqüente cuja habilidade principal é romper a resistência dos limites apenas com a cadência de sua respiração.

“Os cinco crimes”

Cinco atos criminosos que participei e que talvez possam ser chamados arte.

por Lourival Batista

1. Parangolé

É um trabalho que só existe quando usado, como uma vestimenta, uma capa, mas a obra se completa com uso das pessoas. Porém, depois da morte de Hélio Oiticica, muitas vezes, quando suas obras são expostas, não se pode tocá-las, ou quando tocadas, são réplicas. Neste dia, lá pelos idos de 2001, roubei uma peça, passei mais ou menos um dia com ela. Filmamos tudo. O museu ameaçou chamar a polícia e então devolvi no dia seguinte. O vídeo com o resto da montagem se tornou uma instalação, mas nunca montei. Eu me lembro que, neste dia do roubo, eu estava com o ego suficientemente inflado a ponto de fazer este ato, pois havíamos ganho, eu e Dani, um prêmio na 1° Mostra Rio de Arte Contemporânea.

2. Noninoninono

(vídeo no qual detonamos com tinta branca numa noite vários

cartazes/outdoors de políticos durante a eleição de 2002 para presidente)

3. Uma performance do Mongus no posto 9 da praia de Ipanema: Mongus vai ao fundo do mar e por um aviso da produção do filme os salva-vidas acham que ele esta se afogando. Vão salva-lo e chamam o “Águia”, um helicóptero que naquele dia já salvara várias pessoas de afogamentos reais. A cena é linda. Oscar de melhor produção para Telephone Colorido do cinema nacional: helicóptero em 30 minutos. Mongus volta à praia num vôo espetacular sobre a praia de Ipanema. Ainda tem uma entrevista do salva-vidas e uma trilha de Fausto Fawcet de quebra.

4. Passar o filme proibido “Di”, de Glauber Rocha, que ele fez no

enterro de Di Cavalcanti (grande pintor modernista brasileiro) e a

família de Di proibiu na justiça a exibição. Ava, filha de Glauber, pode me conseguir o filme.

5. artraffic

É o seguinte. Quando cheguei na França comecei a fumar haxixe com tabaco,
como todo mundo lá. Não me adaptei, não conseguia nadar no porto de
Marseille. Pensei num jeito diferente de fumar, como eu fumava no
interior de Pernambuco, quando morava lá em São José do Egito. Enfiei a
pedra de haxixe numa agulha, queimei, soprei e ela ficou em brasa
soltando uma fumacinha. Depois foi só aspirar a tal fumacinha. Para ter
sempre à mão, passei uma linha no buraco da agulha e amarrei-a no
pescoço. Foi então que percebi que se tratava de uma linda peça
plástica, e como era o dia da independência de Moçambique, intitulei-a
"Collier du Mozambique". Fiz um manual de instruções desenhado em PB e
xerocável, e uma sequência de fotos que explicavam como usar. Comecei
a vender cada colar pelo valor de cinco Euros, junto com o manual de instruções
ARTRAFIC. Fiz uma exposição em Paris em novembro passado, no Palais de Port Doré, e vendi bastante. Empolguei-me, pois esta foi a peça que mais vendi. Só tinha vendido dois quadros em 1996 por preços irrisórios e agora sou um artista comercial. O engraçado é que varias pessoas compraram para fumar no mesmo momento e outras até emolduraram junto com a xérox do manual de instruções. Dai o projeto tomou corpo. Fiz uma performance na Ecole Superior d'art de Avignon, que consistia em fumar um “Colier du Mozambique” e tentei expor na Ecole Superior d'Art de Aix-en-Provence onde eu fazia uma residência. Mas o diretor me disse: "j'ador le travail, mais désolé, ici c'est une école publique". Então eu expus outros 7 trabalhos, inclusive um vídeo que se chama "désolé" e escrevi um texto sobre esta situação na parede da galeria:
"eu tenho também outro trabalho que se chama, "Le Collier du
Mozambique" para expor. Talvez o trabalho mais forte que produzi aqui
na França, mas é impossível mostrá-lo, pois aqui é uma escola
pública, mesmo que todo mundo fume muitas coisas aqui na França.
Bem, é assim mesmo, vou guardar este trabalho para minha exposição no
Pompidou".

Depois, continuei as aventuras. Eu e minha amada Marion fomos parados na fronteira da Suíça com a França e os policiais encontraram metade do haxixe. Talvez eu fosse deportado e pagasse uma multa, mas tudo se esclareceu quando mostrei o manual de instruções e revelei a arte embutida na atitude (gostei desta expressão). Eles apreenderam o que acharam, disseram que iam expor o panfleto numa vitrine do bureau da polícia da fronteira e nos liberaram. Pela atenção de um dos policiais em relação a minha explicação acho até que ele fumava, pois quase todo mundo fuma haxixe na França. Uma coisa é certa, ele aprendeu direitinho. Eles realmente só engrossaram quando pedi para registrar aquele momento. Mas tudo deu certo no final.

A última etapa do projeto em andamento foi trazer o haxixe para cá,
quando voltei da França. Embalei, coloquei na mala e fotografei todo o
processo. Fotografei minha paranóia no avião Marseille-Paris-Rio-Recife e a mala chegando aqui. Nenhum problema, exceto o lap top que não declarei e tive que pagar mil reais de impostos na alfândega. Bem no começo desta seqüência de fotos, que chamo de ARTRAFIC INTERNACIONAL, dou um beijo em Marion e, no fim, minha filha Ingà Maria me dá um beijo. É lindo.

Tenho vendido bem aqui no Brasil, por 10 Euros. O aumento do preço é proporcional à nóia durante a viagem. Fiz uma exposição no Rio de Janeiro, na galeria Gentil Carioca e acabei vendendo todo o meu estoque de haxixe. Comuniquei-me com alguns amigos na França que me mandaram mais, registraram todo o processo lá e eu também o fiz aqui na chegada no Brasil. Estou com um pouco de medo de levar o material de trabalho. Agora acabo de ser convidado para esta exposição em Weimar, Alemanha, e preciso arranjar um jeito de conseguir este trabalho, e levar mais haxixe...

Queria falar uma coisa mais a respeito. Esta discussão sobre se as coisas são arte ou não esta um pouco defasada. Uma pintura hoje, qualquer coisa pintada sobre uma superfície, ninguém questiona se é ou não arte. Pode-se dizer que é ruim, mas é arte.

Realmente esta discussão é meio brega, mas no caso do artrafic (o quinto crime desta obra) ela veio pra cima com força. É que nestes trabalhos, só o conceito pode justificar uma não punição. Nestes casos, meu filhinho, se eu não convencer, vou acabar sendo preso. É obrigatória a performance do convencimento, de si mesmo até. Se você não tiver certeza, não convence a ninguém, como no caso da fronteira Suíça/França.

Lourival Batista

3. E do crédito a ser conferido aos líquidos com alta gradação alcoólica como vetor para a criação coletiva por grupos de artistas na cidade: arte, vício e sociabilidade.

Quem não viu Clarissa Diniz explanando os mecanismos de legitimação artística no nosso meio, perdeu. Na apresentação dos resultados de sua pesquisa levada a cabo com o apoio da bolsa do Salão Pernambucano de Artes, dentre os tipos explicativos um deles chamou-lhe mais a atenção por perpassar os demais. Chamou-o simplesmente de amor. A ligação entre as pessoas, através da relação de amizade em vínculos afetivos perenes, favorece a que se alcance a legitimação em questão, pois funciona como uma alavanca às outras estratégias. Os vínculos que estimulam a cooperação e a colaboração para fins coletivos, num agrupamento ou numa rede de relações, funcionam de modo a que todos possam se comunicar e partilhar do reconhecimento mútuo como artista.

Dado o recado de Clarissa, chegamos ao que é da natureza de boa parte dos relacionamentos de amizade: os vínculos necessitam ser continuamente reafirmados, em longos encontros, bate-papos, reuniões boêmias regadas a muito álcool. A seguir, um relato exemplar dessa conexão entre grupos de artistas e suas criações coletivas em meio à vivência da noite da cidade, nos bares populares, na boemia.

Templos do Prazer

Como quase disse Friedrich Nietzsche: sem o Bar a vida seria um erro. O Bar é o melhor lugar, esta idéia de extensão do lar, o aconchegante endereço para se encontrar os amigos, e como sempre, falar do que se gosta e de tudo que acontece e etc. e tal. No Recife não poderia ser diferente. Construímos vários ambientes onde nos encontrávamos e além de criar e elaborar muitos projetos bebia-se, o que era o melhor. Muitos destes lugares ainda sobrevivem em nossa Cidade. Vamos nos concentrar em dois aos quais estive mais próximo e que freqüentava quase que diariamente: o Bar Royal e o Bar do Seu Vital, dois lugares distintos, mais com peculiaridades afins. O Royal foi fundado por Seu Ribeiro que tinha um pequeno fiteiro junto ao Bar Gambrinus e que conseguiu abrir seu estabelecimento próprio na Rua Tomasina. Sua clientela sempre esteve ligada ao movimento do porto e aos comerciantes do lugar. Durante mais de sessenta anos o Bar Royal esteve presente na vida dos recifenses. O Atelier Quarta-Zona de Arte instalou-se no Bairro do Recife Antigo e depois o Atelier do Cais, e alguns artistas isoladamente começaram a freqüentar e trabalhar também no bairro. Eram os idos anos oitenta, freqüentámos vários bares da região, o Bar do Fogão, o OK, o Francks, o Seu Rainha, o São Francisco, o Bar dos Gatos, o Bar da Charque, e outros que fogem da minha memória. Era neste ambiente que eu era casado só até às 18:00 h. E muitas produções foram compartilhadas pelos amigos e pelas personalidades que flutuavam por alí. Noutros bairros da cidade outros pontos existiam, o Cantinho das Graças, o Panquecas, a Soparia, mais estávamos tão presentes no Bairro do Recife Antigo que elegemos o Bar Royal como QG de nosso grupo. Nesta época conhecemos o Fernando, filho do Seu Ribeiro, que começava a administrar o estabelecimento. Como ele vinha da Faculdade de Design da UFPE, conhecia alguns artistas e tinha um melhor atendimento. Desistimos do Bar Gambrinus, mesmo com toda a simpatia de das Neves, o garçom que tão bem nos atendia. O Royal tornou-se habitual e funcionava de 09h00 as 20h00. Depois de um tempo começamos a freqüentar o Bar à portas fechadas, chegando mesmo às primeiras horas da madrugada, onde éramos convidados a sair e tínhamos que ir ao Extremo Oriente ou mesmo ao Grego, sempre dependia do nosso estado de sobriedade. Descobrimos também o cardápio do Bar: a Dobradinha na sexta-feira, o pé de porco no sábado. Instituímos o nome Cristina para a simpática garçonete, e muitos projetos foram realizados: O Temporal PE, o vídeo Sacrossantos-Eroticos, o Royal Academia de Artes ^__ este último foi uma extensão do Arte na Barbearia que também começou na mesa de um bar^__ as pinturas nos muros das fachadas com o grupo Carga e Descarga e muitas e muitas garrafas de cerveja, cigarros, de todo tipo, homens e mulheres, de todo tipo, e muitos amores. No outro lado da cidade, num bairro bem mais bucólico e não menos alcoólico, criou-se uma outra confraria. No Bar do seu Vital, no Poço da Panela, muitos poetas, filósofos, jogadores de dominós, artistas, críticos e dançarinos de gafieira, se juntavam e ainda se juntam. Sambam, contam estórias e o melhor: bebem bastante. O atendimento impecável e a cerveja super-gelada são a razão do nosso interesse pelo lugar, sem falar na calma e na boa energia que esta esquina do mundo nos proporciona. Soube recentemente que uma Mini-Galeria de arte se instalou no Bar e que um grupo de artistas está com um atelier bem próximo. E é isto, somem o tempo que ficamos nestas mesas, escritórios etílicos onde tantos projetos são mirabolantemente criados e vamos constatar que talvez nossos dias fiquem bem mais presentes nestes templos do prazer e da volúpia, que em nossos próprios lares. Resolvi escrever este texto no melhor endereço que encontrei por aqui, o La Coupole, em Montparnasse. Neste lugar muitas idéias sobrevoaram o ambiente e nada melhor que captar estas ondas que ainda permanecem por aqui.

Mauricio Silva – Paris – Janeiro – 2007.

O prédio da Western foi ocupado por artistas. Fato. Porém, essa ocupação ocorreu de formas diversas e, assim, observei em que os espaços diferiam uns dos outros, destacando-se para mim aqueles em que houve uma singular criação.

A própria tomada de um prédio em desuso é uma ação de intervenção urbana coletiva com forte poder de significação, no sentido de que impõe ao debate público questões acerca dos usos e padrões de ocupação do solo, fazendo-nos pensar em formas mais duradouras de recuperação da vitalidade daquela área, para além do incipiente embelezamento superficial das fachadas. Chamar a atenção para uma grande e bela área desocupada no centro histórico da cidade trouxe, ao menos para mim e, espero, aos artistas participantes, um alerta para o amplo espectro de questões culturais, históricas e econômicas que compõe a natureza de uma cidade.

A organização do SPA abriu o prédio para que artistas propusessem seus modos de uso. Dentre a maioria que optou por fazê-lo de modo convencional, utilizando os cômodos da edificação para expor o resultado de ações ocorridas fora dali, Marcelo Silveira, Alice Vinagre, bem como Camila Mello e Manuela Eichner, executaram formas mais elaboradas de intervenção.

O espaço ocupado por Alice Vinagre prima pela composição formal, criando um diálogo intenso entre as paredes brancas com janelas da sala, e o tapete de carvão e sal grosso, contrastantes, num desenho orgânico. A textura criada no piso reverbera as imperfeições da parede, chamando a atenção para todo o espaço que vibra, numa composição que não poderá ser repetida em outro lugar.

Camila Mello e Manuela Eichner, dentre diversas ações, propuseram morar nos cômodos por elas ocupados, durante sua passagem pela cidade. Interferiram nas paredes das salas e na organização ordinária de um local para se estar. Abordaram, mesmo que de modo literal, os modos de uso do espaço pelo artista, mas, de alguma forma, comentaram também aquelas questões citadinas, as possibilidades de uso da edificação, inclusive como moradia.

Marcelo Silveira condensou as propostas de intervenção e usufruto do espaço. Inventou uma residência artística em sua sala. Dispôs-se a ir todos os dias ao edifício, incorporando a cada visita novos elementos que trazia com ele ou eram interferência dos visitantes. Uma convidativa rede, que servia mesmo ao descanso, atraía os que estavam por ali. Aquela circunstância particular a que me referi acima encontrou aqui sua melhor tradução. Além do genuíno tensionamento dos elementos arranjados naquele espaço, o propósito interativo ^__ de se postar à conversa, ao encontro ^__ tornava irresistível a sua “estação”. Até um “livro-caixa-de-artista” o acompanhava, servindo à curiosidade dos mais próximos. Utilizando alguns dos materiais recorrentes em sua obra, tais quais o couro e o vidro, Marcelo Silveira logrou criar um ambiente em que, além de tornar mais complexa a percepção espacial, oferecia ao visitante a imersão naquele mundo próprio, por entre as suas proposições poéticas. As linhas de couro carregadas de afeto ^__ a cada uma correspondia um nome escrito na parede ^__ que atravessavam a sala, morriam no alto e ressurgiam em outra face, ressoavam o que estava sutilmente escrito sobre a parede azulejada: continuar, continuar, continuar…

Continuidade e ruptura também nos tubos delgados de vidro, encontrados num refugo, e dispostos transversalmente na sala.

Foi nesse ambiente que conheci a história do Sr. Liêdo, que franqueou ao artista o acesso a sua ampla coleção de manuais[1]. Marcelo transcreveu, de um manual do começo do século passado, um código de cores que era usado para definir a hora de um encontro às escondidas, por meio de combinação de flores diversas. Um código para viabilizar encontros, bela metáfora às vicissitudes da vida, o contínuo rearranjo das possibilidades, as passagens contíguas e os impedimentos, os acertos e desacertos, o fim e o recomeço, as estações…

Em outros ambientes destacaram-se trabalhos de apelo à participação ativa do visitante, dos quais destaco o Neutralidade, do Re:combo. Um grande tabuleiro fixado ao chão (de modo a ser percorrido com o corpo todo) e as regras de um jogo coletivo fixadas na parede, tudo para destacar a ameaça à neutralidade da rede. Esta neutralidade seria “a possibilidade para todos os que têm acesso à rede, de produzir conhecimento e trocar informações livremente em pé de igualdade” e agora estaria ameaçada pelos interesses comerciais das grandes corporações controladoras dos maiores provedores de acesso à Internet. Alertando para o possível fim do potencial democratizador  da rede, o Re:combo, coerente com sua proposta de criação coletiva, que assume e tira proveito da porosidade entre as esferas da arte e da política, não teme ser panfletário, disponibilizando inclusive um folheto com informações elucidativas sobre o tema.

Certa interatividade em Frontaria, de Júnior Pimenta, alcançou-me nas caixas de ovo coladas pela fachada do prédio. Digo certa interatividade porque um maior número delas, sem dúvida, traria melhores resultados. Em todo caso, valeu pela alternância de cores que, a depender do ponto de visada, variavam, movimentando assim o prédio.

Também teve o jogo do “não vale”, como posso explicar… na regrinha do café com leite: meter a mão em latões que, ao invés de lixo de verdade, só pseudo-sujeiras, lixo de mentirinha feito de ráfia colorida… O trabalho Lixo, de Viviane Duarte, realmente não me convenceu.

Enfim, teve de tudo, mas o bom mesmo é ter tido!

[1] Manuais de instrução, de qualquer tipo, foram incorporados recentemente à poética do artista.

]]> http://revistatatui.com/revista/tatui-1/site-specific-e-interatividade-no-western/feed/ 0 http://revistatatui.com/revista/tatui-1/o-sagrado-coracao-de-izidorio/ http://revistatatui.com/revista/tatui-1/o-sagrado-coracao-de-izidorio/#comments Fri, 13 Nov 2009 22:56:52 +0000 Silvia Paes Barreto http://revistatatui.com/?p=180 O que quer dizer um coração enorme desproporcional ao corpo franzino?

Um coração atado e sobreposto ao peito, carregado de pés descalços, no percurso obstinado, ao encontro dos sete templos. Coração sangrando a camisa branca. E o séqüito.

Sacrifício de manhã calorenta.

Izidorio é o nome dele. Leva o coração transplantado muito maior que o peito, o coração carregado, de quê?

Inabalável ritmo entre os assombros.

Entra em cada um dos templos e vai até o altar.

Volta-se e reitera o imemorial gesto.

Sete vezes.

Deita o dito em mesa sagrada

Encerra o rito.

Congraça.

No início da quente tarde da quarta-feira o artista se aproximou do centro do pátio vestindo terno preto, gravata vermelha, sapatos sociais e óculos. De cabelo molhado e bem penteado, puxava uma mala grande, de cor prata. Certa artificialidade compunha sua imagem. Não sei mais se era o artista ou um seu personagem. Iniciou a performance sacando da mala os objetos que iriam constituir seu ritual. A mala era daquelas cheia de compartimentos. Os objetos estavam cuidadosamente envolvidos em panos e o artista/personagem, metodicamente, alcançava-os e os dispunha sobre esteiras, também saídas da mala, anteriormente desenroladas no chão. Organizou uma espécie de altar, com o retrato de um outro homem também vestido de terno e gravata, um recipiente onde se iriam queimar incensos, e uma bandeja com bule e cuias de cerâmica.

Consistia o ritual nas seguintes ações, executadas em gestos obstinados, mas sem afetação, mais ou menos nesta ordem: retirar os sapatos sobre um pequeno tapete fora do limite das esteiras, entrar na área delimitada por elas, flexionar o corpo em frente ao que chamo de altar, sentar sobre os joelhos, acender o incenso, levar as mãos espalmadas ao centro do peito na altura do coração, flexionar o corpo novamente, sempre voltado para o recipiente onde queima, podendo servir-se do líquido do bule. Intercalados a esses momentos de mesuras, o protagonista da ação calçava os sapatos e, munido de giz, demarcava a área em torno, ampliando-a. Depois, retornava pela área contornada até a saída original, recomeçando todo o ritual: sapatos deixados fora, volta às genuflexões.

O nome da ação, labor adicto, e a forma como o artista estava vestido, eram índices do mundo do trabalho. As feições orientais, o gestual obstinado e as repetidas nuções, fizeram-me pensar numa dada cultura em que a ética do trabalho combinara-se à alta competitividade capitalista para gerar funcionários exemplares. Contudo, não me satisfez tal literalidade.

As esteiras estendidas ao chão, num local em que a área próxima caracteriza-se pela presença ostensiva do comércio popular informal, remeteram-me aos vários e, com freqüência, inusitados meios de subsistência inventados por aqueles que estão à margem de um sistema de produção, que cada vez mais elege como disfuncionais boa parte dos indivíduos aptos ao trabalho.

Reforçam essa imagem a inconseqüente recorrência nos atos executados e certa incongruência entre o minucioso ritual preparatório e a ação posterior, fora da esteira. O insistente ritual parece reafirmar os valores que permanecem em nossa cultura associados ao trabalho e ao emprego formal. È fato que ter com que trabalhar significa não somente inserção econômica, mas atende a uma série de outras necessidades, tais como reconhecimento social, sociabilidade, segurança, dignidade.

Além disso, o ritmo da ação artística aludia a algo metódico e disciplinado, aparente até na forma como o protagonista desdobrava o lenço e limpava o rosto molhado de suor e voltava a dobrá-lo. Contudo, nem mesmo método e disciplina, quando aplicados à formação profissional, garantem hoje inserção no mercado.

Labor adicto fez-me pensar nesse descompasso, nas perspectivas de vida frustradas, nos desejos não recompensados, nos desvarios de uma vida improdutiva. Pode ser que, como é bem certo que tenha ocorrido, essa seja uma visão bastante pessoal, imersiva. Em todo caso, é bem sabido que as intenções do artista não fecham as possibilidades de significação da sua produção.

Tanto é assim que, ao final da ação, antes de recolher os pertences, o artista distribuiu folheto com um ideograma e a frase “Obrigado pela atenção”, o que reembaralhou as instâncias da representação e da apresentação.

]]> http://revistatatui.com/revista/tatui-1/labor-adicto-i/feed/ 0 http://revistatatui.com/revista/tatui-1/arte-porque-a-vida-nao-basta/ http://revistatatui.com/revista/tatui-1/arte-porque-a-vida-nao-basta/#comments Fri, 13 Nov 2009 22:24:49 +0000 Silvia Paes Barreto http://revistatatui.com/?p=168

Face a face, de Kika Nicolela

Convidou-nos a duas experiências desconcertantes. Em uma delas somos chamados a ouvir depoimentos pessoais sobre a natureza da relação amorosa, enquanto imagens em câmera lenta dos rostos dos depoentes são projetadas na parede. As falas tateiam árduas definições. As vozes não coincidem com as imagens, e são editadas de maneira a sempre haver dois relatos paralelos. Não demorou a minha identificação com a melancólica tentativa daqueles seres em definir o que consideravam ser a experiência primordial, necessária, insubstituível. A segunda proposta é o convite a que deixemos nosso próprio relato. A câmera em foco, uma cadeira posta à sua frente, um minúsculo microfone e eu engasgada sem conseguir responder às perguntas sugeridas: você já teve uma desilusão amorosa? acha que é capaz de verdadeiramente comunicar-se com a pessoa a quem ama? vive um amor no momento? dentre outras. Não havia obrigação em responder, mas uma dúvida me afligia: o fato de não conseguir expressar em palavras significava jamais ter vivido realmente a reciprocidade do amor? Pois não houve nada que eu dissesse que não soasse clichê de novela. Ante o desconforto, apressei-me em responder rápido e ridiculamente. Não me reconhecia naquelas frases estanques e rasas, temia a possibilidade de estar em mim a superficialidade estéril. Acalmei-me pensando não ser mesmo o amor algo pragmático, nem dado a capturar-se em manuais explicativos. Deixemos aos filósofos e poetas a função que a eles confiamos: traduzir em palavras o inefável.

Sonhos explícitos, de Virgínia de Medeiros e Silvana

É um trabalho em construção. Das artistas, as informações acerca da imprevisibilidade dos caminhos que tomaria o projeto, sem estimativas de resultados. Também destacaram a proximidade como elemento. Tentativa de aproximação o menos artificial possível: o artista se apresenta. Tudo isso num exíguo espaço de uma semana. Afeto? Investiguemos.

Na cata de sonhos eróticos, pela primeira vez em execução, o trabalho, que havia sido pensado para acontecer no interior de um carro, tomou de assalto um box do Mercado São José. Ambiente público. Uma aproximação, uma proposta. O envolvimento de quem aceita a abordagem e que, a partir desse primeiro contato, engendra os demais participantes.

Uma comerciante local, além de dividir o seu sonho erótico, cede um canto de conversa para próximos relatos, onde são registradas mais 10 picantes histórias. A interlocutora propôs o bairro de Casa Amarela para o dia seguinte, onde certamente o trabalho conseguiria ainda mais sonoras sexuais.

Um adendo factual: a idéia das artistas é a realização de uma espécie de mapeamento em várias cidades e pretendem, por fim, juntar o áudio com um vídeo de imagens não literais.

Sim. Afeto. A mim se apresentou o afeto e a cumplicidade. O trabalho só acontece pela abordagem e pela aceitação das pessoas em dividir os sonhos e, nesse momento, vi uma interferência na geografia das relações humanas: as pessoas tornam-se momentaneamente cúmplices. Gerou-se ali uma mobilização em torno do objetivo proposto pelas artistas: pequenas redes de relações realimentadas ou criadas pela proposta.

Artérias II, de Christina Machado

A performance assim se fez: um carrinho, que poderia ser de feira, não fosse o branco cirúrgico que o envolvia; compartimento de guardar os instrumentos do implante; na área onde ordinariamente estariam as frutas e verduras, duas almofadas tipo colchonete para o conforto do paciente-transeunte; um amplo e branco guarda-sol, pois a luz necessária à operação ao ar livre não o dispensava. Talvez a necessidade dos citadinos em receber novos corações tivesse gerado ali algumas quilométricas filas. Em todo caso, já era sintomática essa necessidade geral, diante da pronta apresentação dos poucos pacientes que presenciei. Pouco mais das 15:00 e foi a minha vez de recebê-lo. O coração foi a mim transferido pela técnica cirúrgica do silk screen. A artista, uma tela e eu. Em plena operação, segurava-a junto à parte superior do meu tórax. Sob o firme comando da cirurgiã-artista – “Feche os olhos enquanto o coração é transferido” –, senti, rápida e intensa, uma pressão sobre o seio. O firme comando se tornara um generoso compartir. Com paleta, espalhando a tinta vermelha, ela me deu um novo coração.

Os três trabalhos, cada um a seu modo, encontram no afeto o seu tema. Além disso, não existem sem a adesão, sem a sedução de um público que os alimenta e os completa. O compartilhamento de sensações de alguma maneira religando as pessoas. A vida porque a arte não basta.