To speak of painting in present times can have two facets, one boring and the other innovative, as the subject is at times antiquated and at others an atemporal jewel waiting to be rediscovered. As luck would have it, the facts are neither one nor the other.

It is well-known that painting has had death and bankruptcy declared throughout the 20th century, and, to understand where this idea of “death” came from it is necessary to go back 150 years in time. Even if I risk being tripped up, I will try to do this analysis of the past in as few paragraphs as possible.

The first blow in the sovereignty of painting as a principal means of representation of nature up to the 19th century was the birth of photography. However, while the function of mere representation of painting grew weaker, support for the canvass began, a few decades later, to give way to experimentation of modernist vanguards who sought new figurative possibilities, thus putting off such announced death.

Nevertheless, at the end of the 1960s, it was with the second wave of vanguard that painting would become a reference of conservatism, seeing that the canvass could no longer keep up with all that was required for research – and questioning. Art became politics and philosophy, presented in a field expanded beyond objective support, in a period marked by the production of technological works supported by video and photography.

In its own way, out of sight of North-American modern critics such as Clement Greenberg and Michael Fried, who analysis of works of art was supported by formal biases, it was not interested in the conceptual creations and, to the contrary to what had been done with abstract painting in the 1950s, abstained from judging in favor of any artistic practice. In this way, it can be said that a pictorial production of the 1970s was overshadowed by all of another production and its death, finally, seemed irremediable.

Nevertheless, as Paul Wood and Francis Frascina observed (1998:230) “in the history of modern art, the actual absence of the cultivation of an area could become interesting to a new generation: times change, and with them, necessities.” In this way, at the beginning of the 1980s, with an artistic scene saturated with photographic documents, video experiments and ephemeral works, painting is understood as a breath of renewal or even, innovation. Explosions of flowers, figures, graphic elements and great shapes sieged galleries and museums, attending in such a way a generation of painters who had continued to think of painting in terms of the market, anxious to circulate lesser “bland” works in the fine arts. The decade was then characterized by its pop declared casual, and in its own way, futile, and rescued the labor of painting and a certain humanistic character which had been forgotten in the conceptual and minimalist production.

And so we reach the 1990s, when, again, the market was saturated with paintings and we are shaken by the revolution of new communication technologies. In the middle of all these new things, the phenomenon of the 1970s seems to be repeating itself making the traditional media of handcraft procedures, as is the case of painting, were postponed by the fascination of digital and electronic support. Yet, as has already been quoted, the actual fact of an absence of cultivation of an area can become interesting. It is this that we are seeing happening today. Painting has not died and neither is it being rediscovered; it simply never left the scene – and never will.

At this time when it seems that we have overcome the era of multiculturalism, painters begin at the beginning, not referring anymore their research on the basis of western Europeans, as was all the history of art up until the post-modern period. In this way, far from searching for a Brazilian method of painting or international, what we see – and the exhibition Pictorial Investigations points to this – is a thematic diversity, of references, procedures and techniques which awards all productions of present day art, including pictorial, to which this discourse is not precisely allied to a single reference or questioning.

Thus, it was surprising to look carefully at a production of paintings of young artists, Brazilians, and perceive that the field is wide and offers works of quality and refinement. The curator’s selection of Pictorial Investigations was solely an outline, but I hope that it will serve to indicate that painting continues and will continue to exist, no matter how digital or cyber we become in the future.

Bibliography:

WOOD, Paul; FRASCINA, Francis. Modernismo em Disputa – A arte desde os anos quarenta. São Paulo. Cosac & Naify, 1998.

No dia 7 de março de 2009 inaugurei, como curadora, a exposição coletiva Investigações Pictóricas no Museu de Arte Contemporânea de Niterói (MAC). Como o nome diz, trata-se de uma exposição de pintura, a mídia mais tradicional relatada pela história da arte ocidental desde o século XV – época em que surge a nomenclatura. Trazer o tema à tona veio da vontade de examinar uma produção que se mantém viva e original, feita com paixão por artistas mais jovens, apesar da enxurrada de novas mídias que podemos observar na produção de arte nos últimos quinze anos.

Falar de pintura nos tempos atuais pode ter duas faces, uma enfadonha e outra inovadora, pois ora o assunto é antiquado, ora é uma jóia atemporal à espera do redescobrimento. Por sorte, os fatos não são nem uma coisa, nem outra.

É notório que a pintura teve mortes e falências decretadas ao longo do século XX e, para compreender por que surgiu essa noção de “morte”, é preciso voltar uns 150 anos no tempo. Mesmo que corra o risco de ser rasteira, tentarei fazer esse retrospecto em poucos parágrafos.

O primeiro golpe na soberania da pintura, como principal meio de representação da natureza até o século XIX, foi o advento da fotografia. Porém, enquanto a função meramente representativa da pintura se enfraquecia, o suporte da tela começou, poucas décadas depois, a prestar-se a experimentações das vanguardas modernistas, que buscavam novas possibilidades figurativas. Adiou-se, assim, a tal morte anunciada.

Contudo, é no final dos anos 1960, com a segunda onda vanguardista, que a pintura se tornará referência de conservadorismo, uma vez que a tela não dava mais conta de tudo o que se queria pesquisar – e questionar. A arte se tornava política e filosófica, apresentada num campo expandido além do suporte objetual, durante período marcado pela produção de obras tecnológicas apoiadas no vídeo e na fotografia. Por sua vez, sumidades da crítica moderna norte-americana como Clement Greenberg e Michael Fried, cujas análises de obras se apoiavam em preceitos formais, não se interessaram pelas criações conceituais e, ao contrário do que tinham feito com a pintura abstrata nos anos 1950, se abstiveram de advogar em favor de qualquer prática artística. Desse modo, pode-se dizer que a produção pictórica dos anos 1970 ficou eclipsada por toda uma outra produção e sua morte parecia irremediável.

Não obstante, como observaram Paul Wood e Francis Frascina (1998:230): “na história da arte moderna, o próprio fato da ausência de cultivo de uma área pode torná-la interessante para uma nova geração: os tempos mudam, e com eles, as necessidades.” Deste modo, o início dos anos 1980, com a cena artística saturada de fotografias documentais, vídeos experimentais e obras efêmeras, compreende a pintura como um fôlego de renovação ou até inovação. Explosões de cores, figuras, elementos gráficos e grandes formatos tomaram galerias e museus de assalto, atendendo tanto a uma geração de artistas que havia continuado a pensar a pintura, quanto ao mercado, ansioso por fazer circular obras menos “insossas” plasticamente. A década então se caracterizaria pelo seu pop declaradamente casual e por vezes fútil, resgatando o labor da pintura e um certo caráter humanista que havia sido negligenciado na produção conceitual e minimalista.

E assim fomos até os anos 1990, quando novamente o mercado se satura de pintura e somos chacoalhados pela revolução das novas tecnologias da comunicação. Em meio às muitas novidades, o fenômeno dos anos 1970 parece que se repetiu, fazendo com que mídias tradicionais de procedimentos artesanais, como é o caso da pintura, fossem preteridas pelo fascínio dos suportes digitais e eletrônicos. Porém, assim como já foi citado, o próprio fato da ausência de cultivo de uma área pode torná-la interessante. É isso o que estamos vendo hoje. A pintura não morreu nem está sendo redescoberta; ela simplesmente nunca saiu de cena – e nunca sairá.

Neste momento em que superamos a era do multiculturalismo, os artistas partem de um começo próprio, não mais referindo suas pesquisas a bases ocidentais européias, como foi toda a história da arte até a pós-modernidade. Nesse sentido, longe de buscarmos uma pintura brasileira ou internacional, o que presenciamos – e a exposição Investigações Pictóricas aponta para isso – é uma diversidade de temáticas, de referências, de procedimentos e técnicas que permeia toda a produção de arte atual, inclusive a pictórica, na qual o discurso não está precisamente atrelado a um questionamento ou referente único.

Então foi surpreendente olhar de maneira atenta a produção de pintura de artistas mais jovens, brasileiros, e perceber que o campo é amplo e oferece obras de qualidade e apuro. A seleção curatorial de Investigações Pictóricas foi apenas um recorte, mas espero que ela sirva para indicar que a pintura continua e continuará de pé, não importa o quanto digitais e cyborgs nos tornemos no futuro.

Referência bibliográfica:

WOOD, Paul; FRASCINA, Francis. Modernismo em Disputa – A arte desde os anos quarenta. São Paulo. Cosac & Naify, 1998.